«Неискусственное искусство» Анастасии Кобекиной

«Неискусственное искусство» Анастасии Кобекиной

11 февраля на сцене Карельской государственной филармонии под руководством дирижера Алексея Ньяга был представлен Концерт для виолончели с оркестром английского композитора Эдуарда Уильяма Элгарта.

Программу представила юная виолончелистка Анастасия Кобекина. В концерте также прозвучала Увертюра к комедии Аристофана «Осы» и симфония «Художник Матис» композитора Пауля Хиндемита, исполненная оркестром Карельской филармонии. Все произведения, представленные в этот день на сцене, были ассоциативно близки к восприятию художественного произведения, которое выражает яркие эмоции художника, переживания, насыщенные красками и переливами цветов, символами вечной темы борьбы добра со злом, реальности и иллюзии, красоты и уродства.

https://www.classicalmusicnews.ru/wp-content/uploads/2017/03/anastasia-kobekina.jpg

Концерт Элгарта часто называют «военным реквием»: речитатив виолончели был исполнен Анастасией Кобекиной выразительно, контрастно, четко акцентировав внимание слушателя на переходе от серьезности и сдержанности к воплощению более оптимистичных музыкальных мотивов. Свое выступление Анастасия завершила исполнением произведения «Корабль шутов», композитором которого является ее папа, музыкант Владимир Кобекин. Струны виолончели, подобно натянутым нервам, погрузили зал в атмосферу, созданную полусумасшедшими, бесформенными, чудаковатыми образами, которые так часто встречаются в картинах Босха, фильмах Ф. Феллини и песнях Б. Гребенщикова. Ярко, пронзительно, непредсказуемо.

Мне представилась возможность взять интервью у Анастасии Кобекиной, хрупкой, живой, с твердым характером, бесконечно влюбленной в музыку и свой инструмент.

Второй билет для виолончели

– Анастасия, почему выбор пал на виолончель? Странное сочетание – хрупкая девушка играет на таком мощном, массивном инструменте. С чем связан такой, казалось бы, «парадоксальный» выбор? Ведь фактически на одном квадратном метре сцены в единой музыкальной истории существуют два героя, два персонажа, два артиста.

– Мои родители – музыканты, они оба играют на фортепиано, поэтому, когда речь шла о выборе инструмента, они решили, что быть в семье третьим пианистом – это не слишком правильный путь, и виолончель на тот момент стал самой лучшей версией. Сложно сказать, почему (улыбается). Нужно признаться, что играть на инструменте я начала рано, в 3,5 года. На тот момент я, конечно, серьезно не осознавала, какой инструмент находится со мной рядом. На самом деле, у меня не было другого выбора, этому я сейчас очень рада и могу признаться, что достаточно органично чувствую себя рядом с виолончелью. Единственный недостаток: когда летишь на гастроли самолетом, надо брать второй билет (смеется). Думаю, все же родители в первую очередь хотели связать меня именно с этим инструментом. Благодарна им и счастлива, что так случилось. В мире не так уж и много девушек-виолончелисток, и, возможно, выбор состоял все же в нестандартном подходе, что является очень ценным решением.

https://yandex.ru/search/?text

Волнение – это интересно…

– Для своих лет у вас очень богатая и многообразная музыкальная биография: победа в конкурсе им. П. И. Чайковского, участие в бесчисленных фестивалях, конкурсах, концертах. Такой калейдоскоп событий – это определенная задача, цель, которую вы ставите в профессии, или обычная череда событий в жизни музыканта, которые развиваются вне строгих и конкретных планов, живут «по течению», а не «против» него?

– Сложно ответить на этот вопрос конкретно и категорично. Думаю, здесь играет роль внутреннее состояние, ощущение времени, возраста. На протяжении всего процесса обучения, поиска и ощущения себя в профессии, можно находиться на определенных этапах развития: стагнации, открытий, возможно, разочарований, ощущения стабильности, исследования своих способностей и желаний в профессии. К примеру, моя осознанность как музыканта появилась в период с 20 до 25 лет. А помог опыт, проживание и переживание многих разных ситуаций, которые формируют понимание и осознание тех моментов, которые раньше не были доступны для анализа. Разные конкурсы, фестивали, победы – это те события, которые формируют мое «я», как человека и музыканта. Они накапливают багаж знаний, эмоций и ощущений. Сейчас, к примеру, меня меньше трясет перед выходом на сцену. Раньше было намного сложнее справиться с волнением. Хотя волнение должно быть всегда – без него даже неинтересно. Это определенная энергия, которая на сцене переходит в музыку, которую я исполняю, но уже в другой форме и в другом пространстве. Процесс накопления опыта бесконечен и по-своему интересен. Вся нереализованная за день энергия концентрируется в период 30 минут или двух часов игры на сцене. Действие «против течения» можно сравнить с преодолением себя. В этом тоже, наверное, кроется главный смысл бесконечного «калейдоскопа событий» (улыбается).

https://i.ytimg.com/vi/qcBfOz8B1ns/maxresdefault.jpg

«Музыка должна звучать»

– Что вы вкладываете в понятие «живая музыка»? Какая она для вас?

– Я часто задаю себе вопрос: искренняя ли я в том, что делаю. Для меня это критерий и на сцене, и в жизни. Когда выходишь на сцену, никогда не знаешь, как он пройдет в этот день. И, на мой взгляд, нужно понимать, что музыка не находится на бумаге. Она должна звучать. И момент, когда ты играешь, этот процесс можно сравнить с передачей вибраций залу, эмоционального состояния публике. Сама музыка может говорить за себя, она априори наполнена палитрой красок и эмоций. Исполнителю нужно уметь прочитать ее, внести свои личные переживания и понимание произведения. И если это будет искренне, по-настоящему, то и музыка станет живой и уникальной. Живая музыка – эта музыка, пропущенная через человеческие души.

– Какое значение для вас имеет зал, в котором вы играете? На какой сцене, а может быть, в каком пространстве вы мечтали бы выступить?

– Я работала на многих площадках и в разных ситуациях: и на открытых площадках, под аркой, на площади с публикой около 1000 человек, в больнице для людей в сложной ситуации. Важно, что в любом рабочем пространстве нужно уметь отдавать свой максимум. И опять же годы подготовки дают определенную гарантию того, что даже при большом волнении и в неудобной ситуации ты выполнишь свою задачу. Это одно из качеств профессионализма, что является необходимым. Атмосфера и пространство способны менять музыку, и наоборот – музыка наполняет пространство. Известно, что голос виолончели приближен к тембру человеческого голоса. Это правда. Музыка – это та история, которая происходит между публикой и исполнителем. И пространство здесь может выступать и в качестве посредника, и в качестве действующего лица. Играть – это как петь. И все интонации я ищу от интонации голоса. В этом есть естественность и органика, которые также способны менять и пространство, и публику благодаря виолончели. Однажды я оказалась в местечке Мон-Сен-Мишель во Франции, это восхитительный островок на северо-западном побережье Нормандии. Думаю, было бы чудесно когда-нибудь взять с собой виолончель и поделиться музыкой с этим загадочным островом.

О Фонде Спивакова

– Анастасия, с 8 лет вы являетесь стипендиатом и участником концертных программ Международного благотворительного Фонда В. Спивакова. Что для вас значит знакомство с Владимиром Спиваковым и как изменилась ваша жизнь, когда вы начали играть в концертных программах Фонда?

– Я познакомилась с Владимиром Теодоровичем, будучи ребенком. Сейчас могу сказать, что уже тогда, на неосознанном уровне я ощутила его энергетику, силу его личности. Маэстро и сотрудники Фонда заметили меня, когда я была совсем в юном возрасте, пригласили меня учиться в Москву. Конечно, я ощущала поддержку и чувствовала, что в мои способности верят. Уже тогда благодаря Фонду я начала играть с «Виртуозами Москвы», Национальным филармоническим оркестром России под управлением В. Спивакова в Оружейной палате Московского Кремля. В качестве стипендиата Фонда я впервые посетила заграницу – исполнила концерт в Иерусалиме. Очень благодарна Владимиру Спивакову, сотрудникам Фонда – для меня это радость и подарок быть знакомой с этими людьми, личностями и прекрасными профессионалами. Я очень благодарна за то, что они есть в моей жизни.

– В музыкальном мире известна финская группа «Apocalyptika», в которой музыканты играют на четырех виолончелях и ударных преимущественно тяжелый рок. Как вы относитесь к подобному музыкальному опыту?

– Ничего против не имею. Я сама люблю экспериментировать, играя на инструменте шансон, фолк, к примеру. Люблю слушать хороший рэп. Если музыка трогает, несет в себе вызов, качественно обработана – почему нет?

– Анастасия, спасибо за беседу. Удачи, открытий и творческих побед!

Наталья Шарай

Фото: classicalmusicnews.ru